인간이 신의 영역을 넘어서려 한 순간의 비극
🧠 서론
창조의 욕망이 낳은 괴물
영화 프랑켄슈타인 (Frankenstein) (2025) 은 오랜 시간 동안 수많은 예술가들에게 영감을 준 메리 셸리의 고전을 현대적으로 재해석한 작품입니다. 이번 버전은 단순한 공포 영화가 아니라, 과학과 인간성의 경계를 철저히 탐구하는 심리적 스릴러로 구성되어 있습니다. 천재적이지만 오만한 과학자 빅터 프랑켄슈타인(Victor Frankenstein) 이 죽은 조직을 되살리는 실험을 통해 생명 창조의 신화를 실현하려 하지만, 그 결과로 태어난 ‘괴물’ 은 그의 오만을 거울처럼 반사하며 그를 파멸로 이끕니다.
사운드 디자인 또한 이 영화의 긴장감을 결정짓는 핵심입니다. 2025년 버전의 프랑켄슈타인(Frankenstein)은 전통적인 오케스트레이션보다는 전기적 음향, 금속성 잔향, 심박 리듬 같은 저주파 사운드를 적극적으로 사용해 ‘인공 생명체의 탄생’을 청각적으로 구현합니다. 그 소리는 살아 있다는 감각보다 비정상적인 생명, 즉 생명과 죽음의 경계에 선 존재의 불안함을 표현합니다.
⚡창조자의 오만과 몰락
빅터 프랑켄슈타인은 세상의 법칙을 넘어 새로운 생명을 창조하고자 하는 과학자입니다. 그는 생명의 본질을 이해하지 못한 채, 단지 인간의 한계를 넘어서는 지적 승리를 갈망합니다. 영화는 그의 실험 과정에서 점점 왜곡되어가는 그의 정신 상태를 세밀하게 포착합니다.
음향적으로 이 구간은 정적과 맥동음의 교차로 구성되어 있습니다. 기계 장치의 진동음, 유리관 속에서 흘러나오는 미세한 기포음, 심장을 대체하는 전기 펄스의 리듬이 점차 합쳐지며 ‘생명 창조’라는 절정을 향해 치닫습니다. 하지만 생명이 깨어나는 순간, 사운드는 갑작스러운 무음으로 전환됩니다. 그 침묵은 승리가 아닌 공포의 순간을 상징하며, 프랑켄슈타인의 창조물이 인간의 통제를 벗어났음을 암시합니다.
🧟 괴물의 탄생과 인간성의 부정
이 영화에서 ‘괴물’은 단순한 괴생명체가 아닙니다. 그 존재는 빅터의 욕망, 두려움, 죄책감이 합쳐진 심리적 투사체입니다. 감독은 괴물의 시점을 자주 교차시켜 보여줌으로써, 관객이 그를 단순히 ‘공포의 대상’으로만 보지 않도록 합니다.
특히 괴물이 스스로를 인식하는 장면에서의 음향은 탁월합니다. 인간의 언어를 흉내내려는 거친 호흡음, 불완전한 발성, 그리고 낮은 전류음이 섞여 들려오며, 그는 존재의 이유를 찾지 못한 채 절규합니다. 이때의 사운드는 기괴하지만 동시에 슬픔의 울림을 지니며, 생명을 가진다는 것의 고통을 전달합니다.
🔥 파멸의 심포니 - 창조자와 피조물의 대결
영화 후반부에서 빅터는 자신이 만든 괴물에게 복수를 당하며, 결국 자신이 창조한 ‘신의 자리’에서 추락합니다. 그러나 이 장면에서 사운드는 단순한 충돌이 아니라 운명적인 교향곡처럼 전개됩니다. 괴물의 발걸음 소리가 점점 겹쳐지고, 그 위에 빅터의 심박과 실험 장치의 전류음이 중첩되며 하나의 리듬을 형성합니다.
이 리듬은 마치 창조자와 피조물이 동일한 존재임을 암시하는 음향적 메타포입니다. 그 둘은 서로를 파괴하지만, 결국 같은 소리의 근원으로 돌아갑니다. 영화의 마지막 장면에서 모든 소리가 사라지고 오직 바람 소리만 남는 순간, 관객은 깨닫게 됩니다 - 인간이 신의 영역을 넘어서려 한 그 오만함이 얼마나 공허한 울림을 남기는지를.
🕯 결론
‘생명’ 이라는 질문에 대한 가장 어두운 대답
프랑켄슈타인 (Frankenstein) (2025) 은 단순히 고전의 재해석이 아닙니다. 그것은 “생명을 창조한다는 것은 무엇인가?”, “인간은 어디까지 신을 모방할 수 있는가?” 라는 근본적인 질문을 다시 던지는 영화입니다.
사운드 디렉션, 연출, 배우들의 섬세한 감정 표현이 조화를 이루며, 프랑켄슈타인과 괴물의 비극적인 운명을 깊이 있게 담아냈습니다. 특히 음악적 침묵의 사용과 저주파의 진동은, 관객의 내면 깊은 곳에서 울려 퍼지는 불안함을 자극합니다.
이 영화는 공포 그 자체보다 창조의 윤리와 인간의 욕망이 부딪칠 때 생겨나는 잔혹한 아름다움을 담고 있습니다.
마지막 장면의 적막 속에서 들리는 한 줄기 바람 소리 - 그것이 바로 인간의 오만이 남긴 유일한 잔향입니다.